Свет и тени "грамзаписи" или вопросы к профессиональным звукорежиссерам

[Читатель]

Не уверен, будет ли интересна предлагаемая мной тема остальным участникам.
Она "навеяна" текстами профессиональных зкукорежиссеров Петра Кондрашина и Марии Соболевой в потоке о Горенштейне. Мне кажется, целесообразней возникшие там вопросы обсуждать в отдельной теме.

Вдогонку к последним постам здесь
В моем любопытстве нет ничего от желания узнать «интимные» подробности из жизни и творчества известных исполнителей – что-нибудь вроде, а сколько же дублей имярек потратил, чтобы добиться технически безупречной игры во время записи такой-то трудной сонаты или концерта.

В свое время, где-то в конце 60-х – начале 70-х на страницах отечественных музыкальных изданий проходила очень интересная дискуссия. Начал её, если я не ошибаюсь, известный музыкальный критик – Григорий Коган. Впоследствии эта статья была перепечатана в его двухтомнике. Я не помню её названия, хотя этот двухтомник у меня в библиотеке должен быть, надо только его разыскать.

Но смысл утверждений Когана был такой, что записи – это своего рода музыкальные консервы, слишком частое употребление которых может испортить или даже отбить вкус к натуральной пище. Кроме того, как он считал, запись зачастую дает лишь слабое представление об артисте, тем более, что некоторые из них не любили записываться, в качестве примера он приводил В.В. Софроницкого. Более того, по отношению к записи он делил артистов на «фоногеничных» и «нефоногеничных» по аналогии с бывшими тогда в ходу терминами «конкурсный» и не «конкурсный», возникшими тогда же при обсуждении пользы-вреда от проведения музыкальных конкурсов. Кстати, в чем-то эти понятия пересекались, в частности, того же Софроницкого Коган считал ярким примером «неконкурсного» пианиста.

Так вот, возвращаясь к этой дискуссии, замечу, что в ней отметилось немало критиков, выступавших как в поддержку высказанных её зачинщиком положений, так и против них. Из последних мне запомнилась Н. Корыхалова со статьей «Свет и тени грамзаписи», в которой она провела любопытную, на мой взгляд, параллель соотношения запись-концерт с кинофильмом-спектаклем и высказала запомнившееся мне положение, что запись, также как и кино, нужно рассматривать как особый вид искусства, где качество итогового продукта (фильма, записи) зависит не только от артиста, но и от режиссера.

Так что для меня не так уж важно - с помощью скольких дублей и режиссерских ухищрений достигнут результат. Важен именно конечный результат.

Никто же не ставит в вину Смоктуновскому, что при съемках Гамлета или Дяди Вани делалось несколько дублей, из которых Козинцев или Михалков-Кончаловский затем отбирали лучший. Однако же народ с интересом читает и слушает рассказы о том, как снимался тот или иной фильм, и никто за этим не видит интереса к «интимным» тайнам знаменитых артистов.

P.S. Слово грамзапись в заголовке взято в кавычки просто потому, что давно уже практически вышли из употребления сами грампластинки

[Алексей]

записи – это своего рода музыкальные консервы...

(вот тоже проблема... не нравится - не ешь!
И кто бы стал их есть, если бы всегда была натуральная пища?!
это не тема...)

А вот я спрошу уважаемых профи (вдруг ответят)

А как они относятся к тенденции записывать звук одним (двумя) микрофонами? (речь, конечно, о достаточно больших коллективах)

Мне кажется, что это просто нереально. Теоретически - я понимаю (более-менее) всё стремления, но не думаю, что это можно осуществить технически.

И, вообще, интересно - как Мастера (нынешние и прошлого) подходили к процессу записи? Почему результаты у разных звукорежиссеров (фирм) такие разные? не только же в технике дело (?!)...

Спасибо!

[kondrashin]

Теоретически можно найти в зале точку, которая обеспечит лучшие параметры звучания и установить там микрофон для записи. Во всем мире есть энтузиасты, считающие, что только так, применяя один микрофон или стереопару можно добиться наиболее естественного звучания. Действительно, записи сделанные из одной точки ( по так называемой системе ONE POINT) отличает естественность, живость звучания. Они имеют многие пространственные особенности бинауральной записи при прослушивании через головные телефоны. Однако для того, чтобы реализовать такую запись требуется соблюдение слишком многих, часто невыполнимых условий. Здесь требуется, во-первых, оркестр экстра-класса с красивым тембром прекрасных инструментов, хорошим балансом во всех нюансах. Во-вторых нужен зал с исключительными акустическими качествами, соответствуюшими, кроме всего прочего, конкретной программе записи. Потребуется также сцена, где оркестр мог бы расположится амфитеатром. И, конечно сам микрофон должен иметь самые качественные характеристики, в частности, правильную коррекцию по диффузному полю. НО! Ни одной записи, сделанной по этой системе, которую не слушал бы с оговоркой "но это же one point!!!" мне не попадалась. Один из наиболее авторитетный специалистов в мире - Джин Поуп (Jean Pope). Он писал, кстати, трижды обсужденного тут М.Б.Горенштейна с его Молодой Россией. Два кружковых микрофона. Супер кабели. Супер преобразователи в цифру. Есть Кармен сюита, Гоголь-сюита. НО... традиционные записи звучат эффектнее, многоплановее и, в конечном счете предпочтительнее. Интересно было бы узнать мнение самого Марка Борисовича об этой работе.

[Алексей]

... естественность, живость звучания. НО... традиционные записи звучат эффектнее, многоплановее...

хм... сразу напрашивается вопрос: а что для Вас лично и для большинства хороших ЗР (можно так? ) является приоритетом? Я понимаю, что хорошо - ...когда всё хорошо! Но всё же? - "адекватность" живому звучанию или максимальная "слышимость" партитуры?
Я не верю, что один микрофон может поймать все тихие (и не-тихие) "подголоски", которые можно услышать ухом (моё дилетантское мнение; кто его знает как там это ухо с мозгом работает ). Поэтому от нескольких микрофонов ну никак не уйти. И начинается... Встречаешь и монозаписи (скажем, концерт Чайковского с Ойстрахом и Кондрашиным), где всё слышно "как на ладони", а встречаешь и современные записи, где постоянно хочется сказать: "Тихо, не слышно!" (хотя громкость и будет приличной)...

[kondrashin]

Что касается консервов... К сожалению, нынешние возможности звукозаписи во многом развратили исполнителей. Могу показать партитуры, где ноты с трудом выглядывают из под карандашных пометок звукорежиссера... Могу показать так называемый playlist монтажа симфонического произведения, гда самый длинный эпизод - 20 секунд, а в основном - 5-8 секунд... Уже студенты училища Гнесиных, где я работаю, на посылаемых на конкурс записях просят приклеить одно к другому...
Был такой кинорежиссер Лев Владимирович Кулешов. Он считается изобретателем художественного монтажа в кино. Он создавал учебные фильмы, где из чередующихся фрагментов лица, рук, ног создавался образ вполне определенной женщины, хотя снимались разные актрисы. У него был фильм, как девушка спешит на свидение. Следующий кадр - навстречу ей спешит юноша. Опять девушка, опять юноша. Крупно - рукопожатие, обнявшись поднимаются по широким ступеням. Общий план - американский Капитолий. Создавался вполне складный сюжет с единым пространством. На самом деле девушку снимали в Москве, юношу - в Ленинграде, рукопожатие в студии, ступени были Музея изящных искусств, Капитолий - из кинохроники. Так вот. Козинцев-то отбирал ДУБЛИ, а не "клеил" переживания Гамлета (не этим ли сейчас занимаются в Голливуде?). А от нас теперь ждут только чуда.
Увы. Маленькие чудеса сотворить удается. Сил это требует немерянно... Нас, вроде ценят... А многое из того, что слушаем - результат "игры" монтажера, а не скрипача или пианиста...

Нет, прозрачность и с одного микрофона бывает очень хорошая! Наоборот, несколько микрофонов могут сильно замазать картинку. Думаю, что это не место обсуждать профессиональные тонкости. Интереснее исполнительско-творческий аспект. Подождем отзывов - среди посетителей форума, как я понял, много музыкантов-исполнителей.

[Алексей]

Думаю, что это не место обсуждать профессиональные тонкости.

конечно! Но, согласитесь, и просто слушателю интересно понять, почему так по-разному звучит одна и та же партитура в разных записях.

А музыканты... ну Вы же сами писали: "придет ***ист, послушает своё соло..."

[kondrashin]

Если бы партитуры звучали одинаково, тогда бы и профессии такой не было "звукорежиссер" и не открывались бы по всей России-матушке кафедры! Вот интересно другое, что у ОДНОГО звукорежиссера партитуры звучат одинаково, как бы и где бы их не писал! Хоть на цифре, хоть на аналоге, хоть на 8 микрофонов, хоть на 24, хоть в церкви, хоть в школьном зале (было такое)))...

[Maria Soboleva]

а что для Вас лично и для большинства хороших ЗР является приоритетом? Я понимаю, что хорошо - ...когда всё хорошо! Но всё же? - "адекватность" живому звучанию или максимальная "слышимость" партитуры?)...

Эти два положения не противоречат друг другу и вполне могут сосуществовать. Другой вопрос - Что является приоритетом - отражение того звучания которое было в студии(концертном зале), или авторское, звукорежиссерское прочтение этого материала? Один из самых сложных вопросов звукорежиссуры. Кто мы? Фотографы или художники?
Наше появление на рубеже 19 и 20 веков в цепочке композитор-исполнитель-слушатель не могло пройти бесследно. Появилось новое творческое звено, претендующее на собствненное прочтение произведения, некий "5 элемент", связывающий задачи композитора, исполнителя и слушателя. Именно поэтому одна и та же партитура так по-разному может звучать из под руки разных звукорежиссеров.

кто его знает как там это ухо с мозгом работает ). , где всё слышно "как на ладони", а встречаешь и современные записи, где постоянно хочется сказать: "Тихо, не слышно!" (хотя громкость и будет приличной)...

Сейчас во всем мире идут очень активные исследования на тему как там ухо с мозгом работают. Даже выделили в целую науку - Психоакустику. Очень много интересностей по поводу восприятия звуков человеком. Например, наша слуховая система предназначена для восприятия разницы звукового давления примерно 140 Паскалей, это примерно 10 миллионов раз. Так вот, если бы наша слуховая система была чувствительнее всего в ДВА раза, мы бы слышали как у нас двигаются молекулы в клетках, происходит кровеобращение, растут ногти, волосы..... Представляете как ювелирно мы созданы!

И еще, особенности восприятия звуков в пространстве тоже являются темой активных мировых исследований, поэтому вопросы прозрачности фонограмм(слышимости всех элементов фактуры) тоже изучаются и преподаются в вузах начинающим звукорежиссерам.

[Genn]

К сожалению, нынешние возможности звукозаписи во многом развратили исполнителей. ... Уже студенты училища Гнесиных, где я работаю, на посылаемых на конкурс записях просят приклеить одно к другому...

Удивительно, что они пока ограничиваются нелинейным монтажом. Для попсовых звезд вытягивают голоса - скоро это будет и в академической среде? ! ?

Козинцев-то отбирал ДУБЛИ, а не "клеил" переживания Гамлета. .... А от нас теперь ждут только чуда. А многое из того, что слушаем - результат "игры" монтажера, а не скрипача или пианиста...

Это ожидание (и требование) связано с общей безграмотностью исполнителей и слушателей. Большая часть массы пока не понимает - что правильное извлечение нот - в нужное время, нужной силы и длительности - это еще далеко не все. Компьютер это умеет делать лучше. А вот глядя в нотный текст понять идею, которая пришла в голову композитору, и потом попытаться ее адекватно передать - это задача, с которой может справиться только человек.

Интересно, что на слух эта осмысленность/бессмысленность слышна. Как я понимаю - в отсутствии смысла в какой-то записи виноват в первую очередь процесс склейки из кусочков. Так что не все так плохо - слушая музыку человек, способный к самообучению, постепенно приходит к пониманию ее цели, а тогда его уже не будут интересовать изыски монтажа.

[Maria Soboleva]

Практика показывает, что чем музыкант самостоятельнее, интереснее, талантливее, профессионльнее, тем меньше времени в работе над диском занимает "кусошничество", и процесс монтажа в корне меняется по целям и смыслу. Начинается работа над концепцией, над трактовкой. Конечно, чего исполнитель не сыграл, того и не склеить. Но в процессе записи могло быть несколько отменных, но разных вариантов, которые потом подбираются в монтаже так, чтобы музыкальная мысль не рвалась нигде, не теряла смысла, развития. Это совсем другая работа для монтажера, высококлассная, требующая от него не меньшего музыкантского уровня. А складывать "пазл" - это просто кропотливая и терпеливая деятельность, что-то вроде вышивки крестиком,как правило имеющая к музыке весьма опосредованное отношение.
Я согласна с Кондрашиным - мы их разбаловали - чем лучше мы клеим, тем больше они на нас надеются. В результате, они начинают превращать нас в исполнителей, мы создаем кульминации, играем развитие, делаем ускорения и замедления, выучиваем за них правильные ноты
И я согласна с Genn, что эта бессмысленность слышна, только запакована в стерильную обертку. Увлечение live во всем мире и пошло на волне всей этой мертвечины. Это не значит, что live нужно делать совсем без монтажа. Концерт есть концерт. У меня недавно вышла запись Литургии Рахманинова с концерта в БЗК, в исполнении принимал участие гостевой хор из Прибалтики, никакого монтажа и дописок не было. Посреди концерта у кого-то в первых рядах партера заголосил мобильный телефон. Думаю, сеунд 30 он звонил, потом еще пока все возмущались, возвращались в состояние - минута гениальной музыки Рахманинова вылетела из внимания слушателей. А исполнителям было каково? А дирижеру? Зачем это оставлять в диске если есть возможность сделать дописку 30 тактов и избавить слушателя от такого же переживания? Зачем оставлять откровенную фальшь и неудачу? Чем это поможет исполнению? трактовке?интерпретации?